Ho incontrato Fransje Killaars alla galleria Maurits van de Laar all’Aia, nei Paesi Bassi, in occasione della sua mostra SHELTER DRESS. Dopo la presentazione della sua monumentale opera All Colours are Free alla BlowUp Art sul Lange Voorhout all’Aia, Killaars prosegue il suo percorso creativo con Shelter Dress, un lavoro che prende spunto da un abito degli anni Settanta, un objet trouvé, collocato su un piedistallo circolare rivestito di tessuti mimetici progettati per l’industria militare.
Appena entrata nello spazio espositivo, sono stata colpita dai colori fluorescenti dei suoi acquerelli e dai tessuti stampati a mano, fino a soffermarmi sulla sua opera Study for Caryatids (2007), un’installazione ispirata alle cariatidi greche. Qui, quattro diversi tessuti mimetici e una croce di legno costituiscono la base per una figura umana vestita con un abito da flamenco, che a sua volta sostiene una tavola di legno: una composizione che esprime la capacità dell’artista di intrecciare corpo, materiale e simbolo in un linguaggio visivo evocativo e potente.
Nel 2011 Killaars ha inoltre collaborato con gli architetti MVRDV per una proposta dedicata alla North Delegates’ Lounge presso la sede delle Nazioni Unite a New York, portando la sua ricerca cromatica e scultorea in un contesto internazionale.
Il nostro incontro è stato reso possibile grazie alla disponibilità del gallerista Maurits van de Laar, che ha avuto la cortesia di presentarmi l’artista dopo un suo impegno in museo. Con i suoi abiti dai colori vivaci, Fransje Killaars mi ha guidata attraverso le sue opere, raccontando il legame con i tessuti, la stampa a mano e la pittura, e sottolineando come il colore resti per lei un elemento centrale, capace di dare vita e voce a ogni gesto creativo.
Negli anni ’80 hai lavorato come assistente di studio per Sol LeWitt, figura pivotale nell’arte concettuale. Hai provato esitazione o intimidazione nell’assumere quel ruolo all’inizio? In che modo quell’esperienza ha influenzato la tua comprensione del colore, dello spazio e dei confini tra pittura e installazione?
Era il 1984 e frequentavo l’ultimo anno all’Accademia di Belle Arti. Sol LeWitt aveva l’abitudine di collaborare con artisti locali e spesso invitava studenti provenienti da diversi programmi post-accademici a partecipare ai suoi progetti. Ero profondamente incuriosita dal suo sistema, quindi l’opportunità di farne parte mi sembrò straordinaria. Ho lavorato a stretto contatto anche con i suoi tre assistenti permanenti, che avevano trascorso anni a perfezionare ogni dettaglio dei suoi Wall Drawings, e ho imparato moltissimo.
Abbiamo trascorso davvero momenti meravigliosi insieme. Il mio senso del colore è qualcosa che ho sempre avuto: anche da bambina il mio uso del colore spiccava, e ho vinto premi per i miei disegni. Lavorare con lo spazio è stato, naturalmente, molto istruttivo. Si comincia a comprendere una scala e una proporzione diverse degli ambienti, creando molti dipinti murali, ho sviluppato una vera intuizione in merito. Per me, quindi, il passaggio al lavoro in ambienti spaziali è stato del tutto naturale. Dipingevo con colori fluorescenti, che lasciavano immagini residue sulle pareti bianche del mio studio, ed è stato in quel periodo che ho deciso di iniziare a realizzare installazioni. Durante i miei viaggi in India, sono entrata in contatto con i tessuti e con una tessitura con cui ho collaborato a lungo. Ho trovato della lana nella mia tavolozza di colori e l’ho portata con me alla mia officina tessile. E magicamente si è unito tutto, i colori fluorescenti, i tessuti, lo spazio e molti altri elementi nelle mie installazioni.
Entrambi i miei genitori erano artisti: mio padre era scultore e mia madre dipingeva e lavorava con i tessuti. Sono cresciuta circondata dall’arte e ne ho vista molta fin da piccola.
La tua collaborazione con Issey Miyake è iniziata nel 2004, dopo che lui ha scoperto il tuo lavoro. Puoi descrivere come si è sviluppato questo rapporto e in che modo l’intersezione tra moda, tessuti e arte ha influenzato la tua prospettiva creativa?
Avevo realizzato un libro sul mio lavoro, utilizzando gli stessi tessuti che impiegavo nelle mie installazioni. Il distributore Idea Books lo ha diffuso in tutto il mondo. È così che una giovane curatrice giapponese lo ha scoperto e mi ha invitato a tenere una mostra personale a Kyoto. In seguito mi ha presentata a Issey Miyake.
Lui si è entusiasmato per il mio lavoro e mi ha invitato a partecipare a due mostre: una in un piccolo spazio artistico di fronte alla sua sede centrale di Tokyo, progettato dall’architetto Shigeru Ban, e un’altra in uno dei suoi negozi, APOC, durante la Tokyo Design Week. Conoscerlo è stato fantastico. Era davvero un uomo di mondo, lo si capiva immediatamente. Tutto il resto veniva gestito dai suoi assistenti. Ispirato dal mio uso del colore, Miyake aveva disegnato un’intera collezione, che mi ha mostrato quando ci siamo incontrati. Sono stata onoratissima e, soprattutto, emozionata. Era un maestro, un inventore di tessuti. È stato importante vivere questa esperienza e rendersi conto delle incredibili possibilità offerte dal tessuto.
Nel 2003 hai realizzato una commissione tessile per la Herenkamer del Catshuis, residenza ufficiale del primo ministro olandese. In che modo i motivi tessili che hai scelto, con il loro valore culturale e politico, hanno dialogato con la storia e la funzione di quello spazio?
Nel 1997 ho creato un catalogo campionario di tessuti come opera multipla. Ho riunito i tessuti che avevo collezionato durante i miei soggiorni in India. La tipica preferenza musulmana per i tessuti lucidi era affiancata, ad esempio, dai tessuti del Kerala dai colori naturali. Questo contrasto ha costituito la base del libro, un’opera dal forte contenuto politico. Ho anche stampato immagini dei miei lavori su tessuti e le ho integrate nel multiplo. Questo campionario è poi diventato l’ispirazione diretta per la creazione di opere murali in scala 1:1 in progetti su commissione. Per il salotto degli uomini del Catshuis, il significato dei motivi dei tessuti ha avuto un ruolo fondamentale nel mio progetto. Durante il briefing mi è stato detto che questa era la stanza in cui il Primo Ministro riceveva gli ospiti ufficiali stranieri. Molti motivi dei tessuti hanno un significato culturale. Ad esempio, ho utilizzato damasco francese e chintz olandese del XVII secolo. In questo modo, ho arredato l’intera sala, con i toni rossi di tutti i tessuti che contrastano con il verde del giardino.
Come donna artista con una carriera internazionale che abbraccia arte, design, architettura e moda, quali sfide o opportunità hai incontrato lungo il tuo percorso? In che modo la tua identità ha influenzato il tuo percorso professionale o il tuo rapporto con il pubblico e le istituzioni?
All’inizio, quando ho iniziato a lavorare con i tessuti, questo materiale non era ancora pienamente accettato nel mondo dell’arte come mezzo espressivo legittimo. Aveva ancora l’immagine degli anni ’70. Inoltre, la maggior parte dei curatori dei musei erano uomini e non erano inclini a dare spazio a questo mezzo espressivo o a includerlo nelle collezioni. Tuttavia, sono riuscita a convincerli, in parte grazie al mio approccio concettuale. Erano soprattutto le curatrici a voler lavorare con i tessuti e a collezionare queste opere. Dal 1995 realizzo installazioni tessili site-specific.
Ho sempre collocato il mio lavoro nell’ambito dell’arte contemporanea e non ho mai cercato di trasmettere un messaggio femminista. Il mio mezzo espressivo è il colore e il tessuto. Quando mi sono laureata all’accademia, ero una pittrice. In parte grazie ai miei viaggi in India, ho iniziato a lavorare con il tessuto e ho capito che questo mezzo è indissolubilmente legato alla vita quotidiana. Porto con me questa consapevolezza concettuale nello sviluppo di ogni nuova installazione. Recentemente ho ricominciato a dipingere e ho integrato questa tecnica con le mie stampe su blocchi di tessuto.
Nel 1984-1985 hai avuto l’opportunità di studiare in Italia, un paese ricco di patrimonio artistico. In che modo quell’esperienza ti ha plasmato e, se potessi creare un’installazione in Italia oggi, quale città o spazio sceglieresti?
L’Italia è senza dubbio una delle grandi culle della cultura occidentale. Vivere e studiare lì è stata un’esperienza davvero formativa, che mi ha permesso di immergermi non solo nell’arte, ma anche nel ritmo della vita quotidiana, nella gente e nell’atmosfera del Paese. Tutta l’arte che ho incontrato in quel periodo ha nutrito profondamente il mio intuito e plasmato la mia sensibilità come artista, un processo che continua ad evolversi. Naturalmente, mi sentirei privilegiata se potessi presentare nuovamente il mio lavoro in Italia. Esporre alla Biennale di Venezia o al Castello di Rivoli sarebbe un riconoscimento significativo, così come entrare a far parte delle collezioni dei principali musei italiani e lavorare con le gallerie più rinomate. Ma in realtà, ogni spazio italiano dedicato all’arte contemporanea è speciale per me. Ognuno di essi offre un palcoscenico dove un’installazione può prendere vita.
La tua pratica integra profondamente i tessuti, la tattilità e le qualità viscerali del colore. Con l’ascesa dell’arte digitale e delle tecnologie immersive, come vedi evolversi il ruolo del lavoro basato sui tessuti? Hai mai pensato di integrare la tecnologia o di lavorare con formati più mediati dal digitale nei tuoi progetti futuri?
I tessuti sono sempre esistiti. Sin dai tempi più remoti, l’uomo ha lavorato con questo materiale. Il mondo continua ad evolversi ed è entusiasmante vedere come continuino ad emergere nuove possibilità. Non escludo di poter lavorare con esse un giorno. Tuttavia, continuo a preferire lavorare fisicamente con i tessuti. È attraverso l’atto creativo che si scoprono cose nuove. Negli ultimi dieci anni ho stampato a mano i miei tessuti, anche attraverso la stampa a blocchi. In questo modo, sviluppo il mio linguaggio visivo. Il blocco e il suo motivo sono solo il punto di partenza. Ultimamente sono anche tornata alla pittura e a volte la integro con le mie stampe tessili a blocchi. Il colore è un elemento affascinante per me in ogni mezzo espressivo. Quindi, ripeto: non escludo nulla, ma per ora non è questo il mio obiettivo principale.
